VA • Jazz At Night

 

 

Art Blakey & The Jazz Messengers, Quincy Jones, Count Basie, Duke Ellington, Django Reinhardt, Howard Roberts, Clifford Brown, Jimmy Smith, Wes Montgomery, Lou Donaldson, Anita O'Day, Charlie Parker, Stanley Turrentine ...

 

 

VA • Organ-ized - All-Star Tribute to the Hammond B3 Organ

 

 

Review from AllMusic (by Stephen Thomas Erlewine):
High Street/Windham Hill's Organ-Ized is nothing less than a salute to the classic Hammond B3 organ by some of the preeminent mainstream practitioners of the instrument in the late '90s. Surprises are hardly the modus operandi here -- it's all soul-jazz, performed with love but not a lot of risk. While this might not showcase the idiosyncrasies of the instrument, that's fine, because this delivers exactly what most Hammond diehards want -- funky grooves and licks from the likes of Joey DeFrancesco, John Medeski, Art Neville, Michael Omartian, Jimmy Smith, Reuben Wilson, and Mike Weaver, among others. Some cuts cook more than others, but there are no duff tracks here -- only Jack McDuff. For organ-heads looking for a little more of what they love, this is not a bad sampler to sample.
https://www.allmusic.com/album/organ-ized-all-star-tribute-to-the-hammond-b3-organ-mw0000262526

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Resena de AllMusic (por Stephen Thomas Erlewine):
Organ-Ized de High Street/Windham Hill es nada menos que un homenaje al clasico organo Hammond B3 realizado por algunos de los principales interpretes del instrumento en el ambito mainstream a finales de los anos 90. Las sorpresas no son precisamente lo que caracteriza al album: todo es soul-jazz, interpretado con afecto pero sin asumir demasiados riesgos. Aunque esto no muestre necesariamente las particularidades del instrumento, eso no es un problema, ya que ofrece exactamente lo que la mayoria de los apasionados del Hammond buscan: grooves y frases funky a cargo de Joey DeFrancesco, John Medeski, Art Neville, Michael Omartian, Jimmy Smith, Reuben Wilson y Mike Weaver, entre otros. Algunos temas funcionan mejor que otros, pero no hay temas deficientes aqui, salvo Jack McDuff. Para los aficionados al organo que buscan mas de lo que les gusta, no es una mala recopilacion.
https://www.allmusic.com/album/organ-ized-all-star-tribute-to-the-hammond-b3-organ-mw0000262526

Jimmy Smith • Six Views of the Blues

Greeeezy! Organist Jimmy Smith never made a bad record for Blue Note. A couple of his Verve recordings are stinkers, but still have some merit. But his Blue Note Recordings, well, they are the epitome of B-3 Hard Bop. That is why the revelation of previously unreleased Blue Note Sides is such a sunny event.

Six Views of the Blues was recorded July 16, 1958 between the sessions that produced On the Sunny Side (Blue Note 1092—NA, recorded July 15th) and Home Cookin' (Blue Note 53360A, recorded on July 17th). Jimmy Smith was a busy man in July 1958. This session finds Smith in the company of his two favorite drummers, Art Blakey and Donald Bailey, Kenny Burrell and oddly enough, Cecil Payne. Payne, a baritone saxophonist, had never previously recorded with Smith. This quartet with a baritone sax is somewhat unusual, perhaps causing these sides to not having been released until now.

The Blues This disc documents a relaxed blowing session that surveys Handy's "St. Louis Blues" and "The Swinging Shepherd Blues" (the only previously released piece on the disc). The remainder of the disc is devoted to four unnamed blues, designated "Blues No. 1—4." Each is a vastly different setting, illustrating the breadth of Smith's talent. This disc is perhaps only for Smith completists. But, then again, there is some thing here for all.

By C. MICHAEL BAILEY

https://www.allaboutjazz.com/six-views-of-the-blues-jimmy-smith-blue-note-records-review-by-c-michael-bailey.php

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¡Greeeezy! El organista Jimmy Smith nunca tuvo un mal historial para Blue Note. Un par de sus grabaciones de Verve son apestosas, pero aún así tienen algún mérito. Pero sus grabaciones de Blue Note, bueno, son el epítome del B-3 Hard Bop. Es por eso que la revelación de los lados de Blue Note no publicados anteriormente es un evento tan soleado.

Six Views of the Blues fue grabado el 16 de julio de 1958 entre las sesiones que produjeron On the Sunny Side (Blue Note 1092-NA, grabado el 15 de julio) y Home Cookin' (Blue Note 53360A, grabado el 17 de julio). Jimmy Smith era un hombre ocupado en julio de 1958. Esta sesión encuentra a Smith en compañía de sus dos bateristas favoritos, Art Blakey y Donald Bailey, Kenny Burrell y, curiosamente, Cecil Payne. Payne, un saxofonista barítono, nunca antes había grabado con Smith. Este cuarteto con un saxo barítono es algo inusual, tal vez causando que estos lados no hayan sido liberados hasta ahora.

The Blues Este disco documenta una sesión de soplido relajada que repasa el "St. Louis Blues" y el "The Swinging Shepherd Blues" de Handy (la única pieza previamente lanzada en el disco). El resto del disco está dedicado a cuatro blues sin nombre, designados "Blues No. 1-4". Cada uno es un escenario muy diferente, que ilustra la amplitud del talento de Smith. Este disco es quizás sólo para los completistas de Smith. Pero, de nuevo, hay algo aquí para todos.

Por C. MICHAEL BAILEY

https://www.allaboutjazz.com/six-views-of-the-blues-jimmy-smith-blue-note-records-review-by-c-michael-bailey.php

Jimmy Smith • I'm Gon' Git Myself Together

 

Disco atípico de Jimmy, hay blues, funk, soul, poco jazz y hasta una alcohólica versión de "Sitting On The Dock Of The Bay"

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Jimmy's atypical album, there are blues, funk, soul, little jazz and even an alcoholic version of "Sitting On The Dock Of The Bay"

 

 

 

Jimmy Smith • Prime Time

 

VA • The Jazz Hits

 

Jimmy Smith • Plain Talk

Plain Talk is an album by American jazz organist Jimmy Smith featuring performances recorded in 1960 but not released on the Blue Note label until 1968. The album was rereleased on CD combined with Open House (1960) in 1992 compiling all the recordings from the session.

Artist Biography

Jimmy Smith is an NEA Jazz Master Born James Oscar Smith in Norristown, Pennsylvania, USA. Smith was influenced by both gospel and blues. He first achieved prominence in the 1950s where his recordings became popular on jukeboxes before there were commonly used terms to describe his unique musical flavor. In the sixties and seventies he helped create the jazz style known as 'funk' or 'soul jazz'.

There had been earlier limited use of the electronic organ in jazz (notably by Fats Waller and Count Basie), though these early examples sometimes had a novelty feel. Smith is widely recognized as introducing the electric organ as a legitimate musical instrument, capable of virtuoso improvisation.

Smith employed a unique technique to emulate a string bass player on the organ. Although he played walking bass lines on the pedals on ballads, for uptempo tunes, he would play the bass line on the lower manual and use the pedals for emphasis on the attack of certain notes. His solos were characterised by percussive chords mixed with very fast melodic improvisation with the right hand. He generally used a drawbar registration of 868000000 or 888000000 on the lower manual, which he used for the bass line and comping chords. He used a similar registration on the upper manual, which he used for soloing, but with the addition of the Hammond's percussion circuit.

Smith was a prolific recording artist. He first recorded with the Blue Note label in 1956. His early albums with Blue Note sold very well, improving its financial viability and aiding the label's efforts to promote other artists. They include Home Cookin' , The Sermon!, Midnight Special, Prayer Meetin' , and Back at the Chicken Shack.

Jimmy Smith is an NEA Jazz Master

Smith signed to Verve Records label in 1963. Smith's albums with Verve include: The Cat, The Boss, Root Down, Peter & The Wolf, Any Number Can Win, The Incredible..., Bashin' , Got My Mojo Workin' , Christmas Cookin' , and Organ Grinder Swing.

It was in this period that he began a regular collaboration with Guitarist Wes Montgomery, with whom he recorded two albums: The Dynamic Duo with Wes Montgomery and Further Adventures Of Jimmy and Wes.

Smith recorded with a full orchestra and worked with arrangers and conductors such as Lalo Schifrin and Oliver Nelson. He also worked in small groups that featured many of the best jazz musicians of his era: Kenny Burrell, Donald “Duck” Bailey, Grady Tate, Lee Morgan, Lou Donaldson, Tina Brooks, Jackie McLean and Stanley Turrentine among them.

Smith had a career revival in the 'eighties and 'nineties, again recording for Blue Note and Verve, as well as for the Milestone label. There are also numerous recordings with other artists available including: Love And Peace: A Tribute To Horace Silver with Dee Dee Bridgewater (1995) and Blue Bash! with Kenny Burrell (1963).

His influence has been felt across multiple generations and musical styles; nearly every subsequent jazz organist owes a large debt to Smith. The Beastie Boys (who sampled the bassline from Smith's “Root Down (and Get It)”�”and saluted Smith in the lyrics�”for their own hit “Root Down”), Medeski, Martin & Wood, and The Hayden-Eckert Ensemble are among the better known contemporary bands that pay tribute to Smith's sensibilities and sound. The Acid Jazz movement also reflects Smith's influences.

Smith died on February 8, 2005, in Scottsdale, Arizona, USA.

https://musicians.allaboutjazz.com/jimmysmith

more ... https://www.allaboutjazz.com/jimmy-smith-master-of-the-hammond-b-3-jimmy-smith-by-mark-sabbatini.php

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Plain Talk es un álbum del organista de jazz estadounidense Jimmy Smith con actuaciones grabadas en 1960 pero que no se publicaron en el sello Blue Note hasta 1968. El álbum fue reeditado en CD junto con Open House (1960) en 1992, recopilando todas las grabaciones de la sesión.

Biografía del artista

Jimmy Smith es un Maestro de Jazz de NEA nacido James Oscar Smith en Norristown, Pennsylvania, USA. Smith fue influenciado tanto por el gospel como por el blues. Alcanzó prominencia por primera vez en la década de 1950, cuando sus grabaciones se hicieron populares en las gramolas antes de que existieran términos de uso común para describir su sabor musical único. En los años sesenta y setenta ayudó a crear el estilo de jazz conocido como'funk' o'soul jazz'.

Anteriormente había habido un uso limitado del órgano electrónico en el jazz (especialmente por Fats Waller y Count Basie), aunque estos primeros ejemplos a veces tenían una sensación de novedad. Smith es ampliamente reconocido por introducir el órgano eléctrico como un instrumento musical legítimo, capaz de improvisar virtuosamente.

Smith empleó una técnica única para emular a un bajista de cuerdas en el órgano. Aunque tocaba las líneas de bajo en los pedales de las baladas, para las melodías uptempo, tocaba la línea de bajo en el manual inferior y usaba los pedales para enfatizar el ataque de ciertas notas. Sus solos se caracterizaron por acordes percusivos mezclados con una improvisación melódica muy rápida con la mano derecha. Generalmente utilizaba un registro de barra de tiro de 86800000000 o 88800000000 en el manual inferior, que utilizaba para la línea de bajo y los acordes de compás. Utilizó un registro similar en el manual superior, que utilizó para los solos, pero con la adición del circuito de percusión de Hammond.

Smith fue un prolífico artista discográfico. Grabó por primera vez con el sello Blue Note en 1956. Sus primeros álbumes con Blue Note se vendieron muy bien, mejorando su viabilidad financiera y ayudando a los esfuerzos de la discográfica en la promoción de otros artistas. Entre ellas se incluyen Home Cookin' , The Sermon', Midnight Special, Prayer Meetingin' , y Back at the Chicken Shack.

Jimmy Smith es un Maestro de Jazz de la NEA

Smith firmó con el sello Verve Records en 1963. Los álbumes de Smith con Verve incluyen: The Cat, The Boss, Root Down, Peter & The Wolf, Any Number Can Win, The Incredible..., Bashin' , , Got My Mojo Workin' , Christmas Cookin' , y Organ Grinder Swing.

Fue en este período que comenzó una colaboración regular con el guitarrista Wes Montgomery, con quien grabó dos discos: El Dúo Dinámico con Wes Montgomery y Otras Aventuras de Jimmy y Wes.

Smith grabó con una orquesta completa y trabajó con arreglistas y directores como Lalo Schifrin y Oliver Nelson. También trabajó en pequeños grupos en los que participaron muchos de los mejores músicos de jazz de su época: Kenny Burrell, Donald "Pato" Bailey, Grady Tate, Lee Morgan, Lou Donaldson, Tina Brooks, Jackie McLean y Stanley Turrentine entre otros.

Smith tuvo un renacimiento de su carrera en los años ochenta y noventa, grabando de nuevo para Blue Note y Verve, así como para el sello Milestone. También hay numerosas grabaciones con otros artistas disponibles, incluyendo: Amor y Paz: Un homenaje a Horace Silver con Dee Dee Bridgewater (1995) y Blue Bash! con Kenny Burrell (1963).

Su influencia se ha sentido a través de múltiples generaciones y estilos musicales; casi todos los organistas de jazz posteriores tienen una gran deuda con Smith. The Beastie Boys (que probaron el bajo de "Root Down (and Get It)"�" de Smith y saludaron a Smith en el lyrics�"por su propio éxito "Root Down"), Medeski, Martin & Wood y The Hayden-Eckert Ensemble están entre las bandas contemporáneas más conocidas que rinden tributo a la sensibilidad y el sonido de Smith. El movimiento Acid Jazz también refleja las influencias de Smith.

Smith murió el 8 de febrero de 2005 en Scottsdale, Arizona, Estados Unidos.

https://musicians.allaboutjazz.com/jimmysmith

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Jimmy Smith • Home Cookin [Japan edition]

VA • Chillout Jazz Organ

Baby Face Willette, Hammond, James Brown, Jimmy Smith, Joey Defrancesco, Kenny Burrell, Larry Young, Lou Donaldson, Pat Martino, Shirley Scott, Stanley Turrentine, Walter Wanderley, Wes Montgomery ...

VA • Jazz Groove

 

Dr. Lonnie Smith, Bobbi Humphrey, Donald Byrd, Jimmy McGriff, Grant Green, Brother Jack McDuff, Jimmy Smith, Return To Forever, Gary Bartz, Pat Martino, Kenny Burrell, Roy Ayers, Lou Donaldson, Don Byron …

 

VA • Blue Note - Hot Hammonds & Cool Organs

VA • The Hard Bop Years - Rudy Van Gelder Masters

 

Compilation of RVG's masters, 99 tracks.

Art Blakey, Grant Green, Wayne Shorter, Bobby Hutcherson, Kenny Burrell, Cannonball Adderley, Ike Quebec, Jimmy Smith, Joe Henderson, Horace Silver, Sonny Rollins, Clifford Jordan, Blue Mitchell, Thelonious Monk, J.J. Johnson, Freddie Hubbard, Lee Morgan, Jackie McLean, Lou Donaldson, Dexter Gordon, Stanley Turrentine ...

Jimmy Smith • Hobo Flats

 

 

Review
by Steve Leggett
Playing piano-style single-note lines on his Hammond B-3 organ, Jimmy Smith revolutionized the use of the instrument in a jazz combo setting in the mid-'50s and early '60s with his recordings for Blue Note Records. After he moved to Verve Records, though, he began working in more big-band settings, experimenting a bit, although he was always the same Jimmy Smith whose rapid runs on the B-3 careened, stuttered, glided, and flashed all over the place at a frequently breathless pace. This set, recorded in 1963 in New York City, finds him working with arranger and conductor Oliver Nelson in a combined orchestral and big-band setting and what strikes first, aside from the movie soundtrack feel of Nelson's arrangements, is how varied the source material is, ranging from a huge make-over of Gus Cannon's old jug band tune "Walk Right In" to the Latin lilt of Antonio Carlos Jobim's "Meditation," the funky hard bop of Horace Silver's "The Preacher," and the relatively restrained country prettiness of Don Gibson's "I Can't Stop Loving You." Smith bubbles and bounces through all of it at the B-3 while Nelson proceeds to fill every available corner with huge, sweeping orchestral washes and crescendos. The clear highlight, though, is the lead and title track, "Hobo Flats," which moves at a languid but wonderfully funky pace and establishes a groove as wide as the Mississippi River. Smith arguably was at his best in small combos, and at times he gets overwhelmed here by the big cinematic arrangements, but there's plenty to like with this set, even if it's a bit on the atypical side for Smith. It works well more than it doesn't.
https://www.allmusic.com/album/hobo-flats-mw0000803156

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Reseña
por Steve Leggett
Tocando líneas de una sola nota al estilo del piano en su órgano Hammond B-3, Jimmy Smith revolucionó el uso del instrumento en un combo de jazz a mediados de los 50 y principios de los 60 con sus grabaciones para Blue Note Records. Sin embargo, después de su traslado a Verve Records, comenzó a trabajar en entornos de big-band, experimentando un poco, aunque siempre fue el mismo Jimmy Smith cuyas rápidas ejecuciones en el B-3 se movían, tartamudeaban, se deslizaban y parpadeaban por todo el lugar a un ritmo a menudo sin aliento. Este conjunto, grabado en 1963 en la ciudad de Nueva York, lo encuentra trabajando con el arreglista y director de orquesta Oliver Nelson en un entorno combinado de orquesta y big band, y lo que primero llama la atención, aparte de la sensación de banda sonora de película de los arreglos de Nelson, es lo variado que es el material de origen, que van desde una enorme transformación de la vieja canción de Gus Cannon "Walk Right In" hasta el ritmo latino de "Meditation" de Antonio Carlos Jobim, el funky hard bop de "The Preacher" de Horace Silver, y la relativamente contenida belleza country de "I Can't Stop Loving You" de Don Gibson. "Smith burbujea y rebota a través de todo ello en el B-3 mientras Nelson procede a llenar cada rincón disponible con enormes y arrolladores lavados y crescendos orquestales. El punto culminante, sin embargo, es la pista principal y el título, "Hobo Flats", que se mueve a un ritmo lánguido pero maravillosamente funky y establece un ritmo tan amplio como el río Mississippi. Smith estaba en su mejor momento en combos pequeños, y a veces se ve abrumado aquí por los grandes arreglos cinematográficos, pero hay mucho que gustar con este conjunto, incluso si es un poco en el lado atípico para Smith. Funciona bien más de lo que no funciona.
https://www.allmusic.com/album/hobo-flats-mw0000803156

    

Kenny Burrell • The Artist Selects

Biography:

After 40 years as a jazz professional, appearing on several hundred albums as leader and sideman, Kenny Burrell is among the handful of guitar greats who have forever changed the role of their instrument.

Staunch musical integrity and discriminate taste coupled with matchless technique have made the guitarist nonpareil among his peers. “My goal is to play with good tone, good phrasing and to swing,” says Burrell, “I strive for honesty in playing what I feel.”

“Master instrumentalist and composer,” “virtuoso,” “historic figure of American guitar.” “Ellington's favorite guitar player”—this is a typical sampling of the critical praise routinely bestowed on Burrell, who pioneered the guitar-led trio with bass and drums in the late Fifties. Although he has since worked in countless other formats, from big band to three guitars plus rhythm to solo, he has remained constant in his quest to get the most out of a natural, low-volume, acoustic sound. “My audience has developed so that they come to listen and are quiet,” he explains. “Thus I can work in a limited volume range and explore all the subtleties that can happen, which is my favorite part of the music.”

Aside from his performing and recording schedule, Kenny has been a teacher at the University of California at Los Angeles (UCLA) for many years. Included in his teaching schedule is a special course that he developed on the music and life of Duke Ellington called “Ellingtonia”. Started in 1978, it was the first regular college course on Ellington taught in the United States. In addition he is also the founder and director of the Jazz Studies Program at UCLA where he is a professor of music and ethnomusicology. He is also a lecturer and director of workshops on guitar and Jazz studies, founder and President Emeritus, of the Jazz Heritage Foundation, and all around crusader for the recognition of jazz as a classical art form.

Kenny Burrell is also a prolific composer whose work is more and more in demand. Kenny is composer of the 1998 Grammy Award winning song “Dear Ella”, performed by Dee Dee Bridgewater. His compositions have been recorded by many other great artists such as Ray Brown, Jimmy Smith, Grover Washington Jr., John Coltrane, June Christy, Frank Wes and Stevie Ray Vaughn. More recently, he received a commission grant from Meet the Composer, Inc. to write an original, extended composition for the Boys Choir of Harlem which premiered at New York's Lincoln Center, and in 1997 was recorded for Concord Records.

Kenny is a man who has garnered the respect of the entire jazz world. “He's one of jazz's most gracious gentlemen,” says pianist Mike Wofford, “an educator and spokesperson for the entire tradition of American Jazz, Kenny is truly a goodwill ambassador for our music, and more importantly, a representative of the best in our society.”

Born in Detroit, Kenny Burrell was raised in a musical family. His mother, who sang in the Second Baptist Church choir, also played the piano around the house. His father was fond of the banjo and the ukulele. “He was just the kind of guy who could pick up string instruments and do something with 'em.” Kenny recalls, - “It kinda rubbed off on us.”

Kenny, who credits Charlie Christian, Oscar Moore, and Django Reinhardt as influences, as well as such blues men as T-Bone Walker and Muddy Waters, played on his first major recording session in Detroit in 1951 with a Dizzy Gillespie combo that included John Coltrane, Milt Jackson, and Percy Heath. Even though the young guitarist was keeping heavy company, including that of such other up- and-coming Detroiters as Tommy Flanagan, Yusef Lateef, Pepper Adams, and Elvin Jones, he remained in Detroit to study at Wayne State University, from which he earned a B.A. in music composition and theory in 1955. He also studied classical guitar with Joseph Fava during that period and continues to employ finger-style and other techniques.

A six-month tour in 1955 with the Oscar Peterson Trio helped to set Burrell's sight on the Big Apple. The following year, he and Flanagan drove to New York City and were promptly drafted into the major league of jazz. Burrell not only became the city's most in demand Jazz guitarist, recording with his own groups and with Coltrane, Billie Holiday, Thad Jones, Kenny Dorham, Paul Chambers, Jimmy Smith, Gene Ammons - and many others, but played on pop sessions with the likes of Tony Bennett, James Brown and Lena Horn and worked in the pit bands of such Broadway shows as Bye Bye Birdie and How to Succeed in Business without Really Trying.

In all, Burrell has recorded more than ninety albums as a leader. This body of work has received much critical acclaim.

Since the mid-Sixties, the guitarist has been leading his own group plus working in “All-Star” settings and has performed with college bands and orchestras. He has also performed with professional orchestras such as the Detroit Symphony and the Buffalo Philharmonic.

Though his combos vary in personnel, size and instrumentation, integrity and invention have constantly guided his music. “My inspiration comes from the message Duke gave - you are unique, be yourself, put out that thing that is you, then use your work ethic and produce great music.”

Kenny Burrell has been the recipient of many awards and has been voted “Best Guitarist” numerous times by music fans and critics worldwide. Recently he received this honor for the second time from the Jazz Times International Readers Poll.

His music and recordings have received much international recognition including the “Prix de Disc” from Switzerland. He has also received many academic honors including a Doctorate of Human Letters, and the 1997 Ellington Fellowship awarded by Yale University. He was voted “favorite Jazz Musician” by listeners of KLON Jazz Station in Los Angeles in 1996 and was inducted into the KLON Jazz Hall of Fame. He served on the awards panel for the National Endowment for the Arts and was the National Chairperson for guitars for the National Association of Jazz Educators. He has been dubbed America's “guitar laureate” by the Detroit Free Press.

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Biografía:

Después de 40 años como profesional del jazz, apareciendo en varios cientos de álbumes como líder y sideman, Kenny Burrell está entre el puñado de grandes de la guitarra que han cambiado para siempre el papel de su instrumento.

La integridad musical y el gusto discriminatorio, junto con una técnica inigualable, han hecho que el guitarrista no tenga parangón entre sus compañeros. "Mi objetivo es tocar con buen tono, buen fraseo y swing", dice Burrell, "Me esfuerzo por ser honesto al tocar lo que siento".

"Maestro instrumentista y compositor", "virtuoso", "figura histórica de la guitarra americana". "El guitarrista favorito de Ellington", esta es una muestra típica de los elogios críticos que se le hacen rutinariamente a Burrell, quien fue el pionero del trío con bajo y batería dirigido por la guitarra a finales de los años cincuenta. Aunque desde entonces ha trabajado en muchos otros formatos, desde big band hasta tres guitarras, pasando por el ritmo y el solo, se ha mantenido constante en su búsqueda de sacar el máximo provecho de un sonido acústico natural y de bajo volumen. "Mi público se ha desarrollado de tal manera que viene a escuchar y se queda callado", explica. "Así puedo trabajar en un rango de volumen limitado y explorar todas las sutilezas que pueden ocurrir, que es mi parte favorita de la música."

Aparte de su horario de presentaciones y grabaciones, Kenny ha sido profesor en la Universidad de California en Los Ángeles (UCLA) durante muchos años. Incluido en su programa de enseñanza hay un curso especial que desarrolló sobre la música y la vida de Duke Ellington llamado "Ellingtonia". Iniciado en 1978, fue el primer curso universitario regular sobre Ellington que se impartía en los Estados Unidos. Además, es fundador y director del Programa de Estudios de Jazz de la UCLA, donde es profesor de música y etnomusicología. También es profesor y director de talleres de guitarra y estudios de Jazz, fundador y presidente emérito de la Fundación Patrimonio del Jazz y cruzado por el reconocimiento del jazz como una forma de arte clásico.

Kenny Burrell es también un prolífico compositor cuya obra está cada vez más solicitada. Kenny es compositor de la canción "Dear Ella", ganadora del Grammy 1998, interpretada por Dee Dee Bridgewater. Sus composiciones han sido grabadas por muchos otros grandes artistas como Ray Brown, Jimmy Smith, Grover Washington Jr, John Coltrane, June Christy, Frank Wes y Stevie Ray Vaughn. Más recientemente, recibió una beca de Meet the Composer, Inc. para escribir una composición original y extendida para el Boys Choir of Harlem que se estrenó en el Lincoln Center de Nueva York, y en 1997 fue grabada para Concord Records.

Kenny es un hombre que se ha ganado el respeto de todo el mundo del jazz. "Es uno de los caballeros más graciosos del jazz", dice el pianista Mike Wofford, "educador y portavoz de toda la tradición del jazz estadounidense, Kenny es realmente un embajador de buena voluntad de nuestra música y, lo que es más importante, un representante de lo mejor de nuestra sociedad".

Nacido en Detroit, Kenny Burrell se crió en una familia de músicos. Su madre, que cantaba en el coro de la Segunda Iglesia Bautista, también tocaba el piano en la casa. A su padre le gustaba el banjo y el ukelele. "Era el tipo de persona que podía coger instrumentos de cuerda y hacer algo con ellos." Kenny recuerda: "Se nos pegó un poco".

Kenny, que atribuye influencias a Charlie Christian, Oscar Moore y Django Reinhardt, así como a hombres del blues como T-Bone Walker y Muddy Waters, tocó en su primera gran sesión de grabación en Detroit en 1951 con un combo de Dizzy Gillespie que incluía a John Coltrane, Milt Jackson y Percy Heath. A pesar de que el joven guitarrista tenía una gran compañía, incluyendo la de otros nuevos y prometedores de Detroit como Tommy Flanagan, Yusef Lateef, Pepper Adams y Elvin Jones, permaneció en Detroit para estudiar en la Universidad Estatal de Wayne, de la cual obtuvo una licenciatura en composición y teoría musical en 1955. También estudió guitarra clásica con Joseph Fava durante ese período y continúa empleando el estilo de los dedos y otras técnicas.

Una gira de seis meses en 1955 con el Oscar Peterson Trio ayudó a que Burrell se fijara en la Gran Manzana. Al año siguiente, él y Flanagan fueron a la ciudad de Nueva York y fueron reclutados en la liga mayor de jazz. Burrell no sólo se convirtió en el guitarrista de jazz más solicitado de la ciudad, grabando con sus propios grupos y con Coltrane, Billie Holiday, Thad Jones, Kenny Dorham, Paul Chambers, Jimmy Smith, Gene Ammons - y muchos otros - sino que también tocó en sesiones de pop con Tony Bennett, James Brown y Lena Horn y trabajó en las bandas de Broadway como Bye Bye Bye Birdie y How to Succeed in Business without Really Trying.

En total, Burrell ha grabado más de noventa álbumes como líder. Este conjunto de trabajos ha recibido muchos elogios por parte de la crítica.

Desde mediados de los años sesenta, el guitarrista ha estado dirigiendo su propio grupo y trabajando en escenarios "All-Star" y ha tocado con bandas y orquestas universitarias. También ha actuado con orquestas profesionales como la Sinfónica de Detroit y la Filarmónica de Buffalo.

Aunque sus combos varían en personal, tamaño e instrumentación, la integridad y la invención han guiado constantemente su música. "Mi inspiración viene del mensaje que me dio Duke - eres único, sé tú mismo, apaga esa cosa que eres tú, luego usa tu ética de trabajo y produce una gran música".

Kenny Burrell ha recibido muchos premios y ha sido elegido "Mejor Guitarrista" en numerosas ocasiones por aficionados y críticos de todo el mundo. Recientemente recibió este honor por segunda vez de la encuesta de Jazz Times International Readers Poll.

Su música y sus grabaciones han recibido un gran reconocimiento internacional, incluyendo el "Prix de Disc" de Suiza. También ha recibido muchos honores académicos, incluyendo un Doctorado en Letras Humanas y la Beca Ellington de 1997 otorgada por la Universidad de Yale. Fue elegido "Músico de Jazz favorito" por los oyentes de KLON Jazz Station en Los Angeles en 1996 y fue incluido en el KLON Jazz Hall of Fame. Sirvió en el panel de premios de la National Endowment for the Arts y fue el presidente nacional de guitarras de la National Association of Jazz Educators (Asociación Nacional de Educadores de Jazz). Ha sido apodado el "laureado de la guitarra" de América por la Detroit Free Press.

VA • The Greatest Soul Jazz

 

Ray Charles, Cannonball Adderley, Sonny Stitt, Gene Ammons, Roy Ayers, Donald Byrd, Stanley Turrentine, Horace Silver, Grant Green, Hank Mobley, George Benson, Jimmy Smith, Kenny Burrell, Jimmy McGriff, Ray Bryant, Lee Morgan.

Joey DeFrancesco With Special Guest Jimmy Smith • Incredible!

Review

Incredible! documents a unique musical encounter, the first time that Jimmy Smith has recorded with another organist, the equally great Joey DeFrancesco. First DeFrancesco is heard with his usual trio (with guitarist Paul Bollenbeck and drummer Byron Landham), racing through heated versions of "The Champ," "When You're Smiling," and "Indiana" in addition to an emotional rendition of "The Good Life." The music is as exciting as one would expect from DeFrancesco. For the second half of the CD, Smith and his trio join the younger organist on a pair of medleys. The first one starts out with the blues "The Reverend" but then, after three-and-a-half minutes, it segues into an odd wandering version of "Yesterdays" before closing with "My Romance." The second medley -- six-and-a-half minutes of Smith's blues "The Skeezer" that becomes a heated "St. Thomas" -- is more like it. The two organists are quite compatible (DeFrancesco has long had Smith's style down pat) and, although the results are not quite Incredible! (it is far from shocking that these two organ masters can jam a blues together!), this CD should greatly interest both organ fans and jazz historians.

by Scott Yanow

https://www.allmusic.com/album/incredible%21-mw0000608946

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Reseña

¡Increíble! documenta un encuentro musical único, la primera vez que Jimmy Smith ha grabado con otro organista, el igualmente gran Joey DeFrancesco. Primero DeFrancesco se escucha con su trío habitual (con el guitarrista Paul Bollenbeck y el baterista Byron Landham), corriendo a través de versiones acaloradas de "The Champ", "When You're Smiling" e "Indiana" además de una emotiva interpretación de "The Good Life". La música es tan emocionante como uno esperaría de DeFrancesco. Para la segunda mitad del CD, Smith y su trío se unen al joven organista en un par de medleys. El primero comienza con el blues "El Reverendo", pero luego, después de tres minutos y medio, sigue en una extraña versión errante de "Yesterdays" antes de cerrar con "My Romance". El segundo popurrí, seis minutos y medio de Smith's blues "The Skeezer" que se convierte en un acalorado "St. Thomas", es más parecido. Los dos organistas son bastante compatibles (DeFrancesco ha tenido por mucho tiempo el estilo de Smith en la mano) y, aunque los resultados no son del todo increíbles! (¡no es nada sorprendente que estos dos maestros del órgano puedan tocar un blues juntos!), este CD debería interesar mucho a los aficionados al órgano y a los historiadores del jazz.

por Scott Yanow
https://www.allmusic.com/album/incredible%21-mw0000608946

 

www.joeydefrancesco.com ...

Jimmy Smith • Black Smith

 

Review from Dusty Groove (Chicago's Online Record Store):
A record that's way way different than the sound of Jimmy Smith Blue Note work -- and a much-loved set by fans of 70s funk! Jimmy's organ is still very strongly out front of the arrangements -- but it's soaring over the top of grooves done by Jerry Peters and Michael "Incredible Bongo Band" Viner -- tracks that have a harder, hipper style than most of Smith's other recordings from the time -- in a groove that often comes close to the best blacksploitation soundtracks of the time! The drums are plenty heavy on many numbers here -- kicking in a hard and heavy bottom that gives the record a few key breaks -- and other numbers even use a bit of chorus vocals, but in a way that never overwhelms the tracks, just supports them with a nice righteous edge.

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Un disco que suena muy diferente al trabajo de Jimmy Smith en Blue Note, ¡y un set muy querido por los fans del funk de los 70s! El órgano de Jimmy sigue estando muy fuertemente al frente de los arreglos, pero se eleva sobre los grooves hechos por Jerry Peters y Michael "Incredible Bongo Band" Viner, tracks que tienen un estilo más duro y moderno que la mayoría de las otras grabaciones de Smith de la época, en un groove que a menudo se acerca a las mejores bandas sonoras de blaxploitation de la época. La batería es abundantemente pesada en muchos números aquí, aportando un fondo duro y pesado que le da al disco algunos breaks clave, y otros números incluso usan un poco de coros vocales, pero de una manera que nunca abruma los tracks, solo los apoya con un buen toque justo.

VA • Hammond Organ Organized [10 CDs]

 

Jimmy Smith • Angel Eyes

 

The subtitle of this comfortable recording, ballads & slow jams, tells the essential story in a nutshell. The groove master is once again surrounded by youngsters from the Verve roster, including trumpeters Roy Hargrove and Nicholas Payton, guitarist Mark Whitfield, bassist Christian McBride, and drummer Gregory Hutchinson. Captured during the same sessions as Jimmy’s recorded return to Verve, Damn, this outing concentrates on the intimacy of balladry. With the exception of Hutchinson, each takes a turn dueting with Smith, there are two trio tracks, two solos (including that now-tired melody “What a Wonderful World”), and a full blown opening take on “Stolen Moments.”

Of special note is Hargrove’s continued development on fluegelhorn. Not since Art Farmer went to the flumpet exclusively and Freddie Hubbard began to experience physical problems has there been a more buttery tone on fluegel, and he works in particularly sublime symmetry with the organ grinder on “You Better Go Now.” Payton’s rich, fat trumpet tone is quite fine on “Days of Wine and Roses,” proving this cat doesn’t need a fluegelhorn to churn the butter. Whitfield is an ideal soulmate for Smith, probably more so than any other guitarist of his generation. He has the deep soul to go along with a sweet string attack and ear for the blues. It’s nice to hear the master Jimmy Smith slowed down to a soulful croon, though even then his dexterity at the keys is dangerous; the man just can’t help it.
Originally March 1, 1997
 Updated April 25, 2019  – By Willard Jenkins    
https://jazztimes.com/archives/jimmy-smith-angel-eyes/

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El subtítulo de esta agradable grabación, ballads & slow jams, resume a la perfección su esencia. El maestro del groove vuelve a estar rodeado de jóvenes talentos del catálogo de Verve, entre los que se encuentran los trompetistas Roy Hargrove y Nicholas Payton, el guitarrista Mark Whitfield, el bajista Christian McBride y el baterista Gregory Hutchinson. Grabado durante las mismas sesiones que Damn, el regreso de Jimmy a Verve, este álbum se centra en la intimidad de las baladas. Con la excepción de Hutchinson, cada uno de ellos toca a dúo con Smith, hay dos temas a trío, dos solos (incluida la ya manida melodía «What a Wonderful World») y una versión completa de «Stolen Moments» para abrir el álbum.

Cabe destacar la continua evolución de Hargrove con la trompeta flugelhorn. Desde que Art Farmer se dedicó exclusivamente al flumpet y Freddie Hubbard comenzó a tener problemas físicos, no ha habido un tono más suave en el fliscorno, y él trabaja en una simetría particularmente sublime con el organista en «You Better Go Now». El tono rico y grueso de la trompeta de Payton es bastante bueno en «Days of Wine and Roses», lo que demuestra que este tipo no necesita un fliscorno para producir mantequilla. Whitfield es el compañero ideal para Smith, probablemente más que cualquier otro guitarrista de su generación. Tiene un alma profunda que acompaña a un dulce ataque de cuerdas y un oído para el blues. Es agradable escuchar al maestro Jimmy Smith ralentizar el ritmo para cantar con soul, aunque incluso entonces su destreza con las teclas es peligrosa; el hombre no puede evitarlo.
Originalmente publicado el 1 de marzo de 1997.
Actualizado el 25 de abril de 2019.  – Por Willard Jenkins    
https://jazztimes.com/archives/jimmy-smith-angel-eyes/


 

VA • Verve Jazz Club Collection - Swinging Christmas